아동 사진 포럼
사진에 대해 아무것도 모른다면 먼저 사진의 원리를 이해하세요. 기본 기술을 잘 배우십시오. 사진은 빛과 구도를 사용하는 것 이상입니다. 카메라의 원리만 이해하면 이런 취미를 갖는 경우가 드물기 때문에 아주 잘 배울 수 있습니다.
관심이 있으시면 몇 가지 유형의 사진을 소개해 드리겠습니다. add me at QQ2570860
문서 사진
Wang Zhengyi가 촬영한 "Sand Storm Hits Beijing" 사진이 기록을 목적으로 탄생한 이유. 탄생부터 보여온 강력한 생명력은 바로 녹음 기능에 있습니다. 이것은 타의 추종을 불허하거나 다른 기술이나 예술로 대체됩니다. 그러므로 넓은 의미에서 사진은 기록이다.
예술 사진
사진의 발전과 함께 사람들은 계속해서 사진에 예술적 요소를 추가하고 예술 사진을 제작하기 시작했습니다. 다큐멘터리 사진과의 차이는 예술성의 정도와 수준에 있지만 절대적인 한계는 없습니다. 예: 신분증이나 기념품으로 사진을 찍습니다. 일반적으로 사진관에서 찍은 사진은 어느 정도의 정보나 기록 가치를 갖습니다. 그러나 50년이 지난 후에도 정징강(Zheng Jingkang)이 치백석(Qi Baishi) 선생을 찍은 초상화는 여전히 세계 최고의 초상화 20점 중 하나입니다. 차이점은 전적으로 Wang Zhengyi가 촬영한 흰색 마노 상형 원석 "작은 발 뚱뚱한 소녀 양귀비"의 예술성 수준에 있습니다.
화보 사진
화보 사진은 아름다운 사진 언어와 아름다운 디자인 내포로 언제나 인물 사진의 중요한 표현 방식이었습니다. 사진의 발명부터 현재에 이르기까지, 회화사진은 그 과정을 달려오며 사진 발전사에 여러 이정표를 세워왔다고 할 수 있다. 19세기 후반, 영국의 사진작가 리랜드(Leland)는 사진이 여전히 얕보이던 시대에 '사진의 새로운 시대의 도래'라고 예견되었던 작품 '인생의 두 길'을 촬영했다. , 이 작품은 참혹한 주제와 회화적 구성으로 빅토리아 여왕으로부터 높은 평가를 받았습니다. Lelanda는 사진을 예술로 인식하는 데 중요한 역할을 했다고 할 수 있습니다. 이후 회화사진은 점차 사진예술의 중요한 장르로 자리 잡았다.
홀로그래피
홀로그래피란 물체에서 반사되는 파동의 진폭, 위상 등 모든 정보를 기록하는 새로운 사진 기술을 말한다. 일반 사진은 물체 표면의 빛의 세기 분포를 기록하므로 물체에서 반사된 빛의 위상 정보를 기록할 수 없으므로 입체감을 잃게 됩니다. 홀로그램 사진은 레이저를 조명원으로 사용하고 광원에서 방출된 빛을 두 개의 광선으로 나눕니다. 한 광선은 감광성 필름으로 향하고, 다른 광선은 물체에 의해 반사된 후 감광성 필름으로 향합니다. 두 개의 광선이 감광성 필름에 중첩되어 간섭을 일으킵니다. 감광성 필름의 각 지점의 감도는 두 광선의 강도뿐만 아니라 위상 관계에 따라 달라집니다. 따라서 홀로그래피는 물체에 대한 반사 강도를 기록할 뿐만 아니라 위상 정보도 기록합니다. 사람의 눈이 이 감광성 필름을 직접 볼 때는 지문과 같은 간섭 무늬만 볼 수 있지만, 레이저를 조사하면 필름을 통해 촬영된 원본 물체와 정확히 동일한 3차원 이미지를 볼 수 있습니다. 홀로그램 이미지의 작은 부분만 남더라도 전체 장면을 재현할 수 있습니다. 홀로그래피는 비파괴 테스트, 초음파 홀로그래피, 홀로그래픽 현미경, 홀로그래픽 메모리, 홀로그래픽 영화 및 TV 및 기타 여러 측면에서 업계에서 사용될 수 있습니다.
1. 회화주의 사진
회화주의 사진은 20세기 초 사진 분야에서 유행했던 예술 장르로 19세기 중반 영국에서 탄생했다.
이 학교의 사진작가들은 회화의 효과, 즉 '시와 회화'의 영역을 그들의 창작물에서 추구한다. 회화를 모방하는 단계, 우아함을 표방하는 단계, 회화의 단계, 이렇게 세 단계를 거쳤습니다.
화보사진가 사진가들은 “사진의 라파엘과 사진의 티치아노가 있어야 한다”고 제안했다.
화보사진은 오랜 발전을 거쳐왔으며, 최초의 거장이다. 회화적 사진은 영국의 화가 힐라드(Hillard, 1802-1870)로, 인물 사진에 능하며 그의 작품은 엄격한 구조와 우아한 형태를 갖고 있다. 1851년부터 1853년까지는 회화주의 사진의 성장기였다.
1869년 영국의 사진가 HP 로빈슨(1830-1901)은 <사진의 그림 효과>라는 책을 출간했다. 그는 “사진가가 훌륭한 사진가가 되려면 풍부한 감정과 깊은 예술적 이해가 있어야 한다. 사진의 지속적인 개선과 발명은 사진 작가가 더 자유롭게 발전할 수 있을 만큼 더 높은 목표를 드러냈지만, 기술적 진보는 예술적 진보와 동일하지 않습니다. 사진은 더 높은 목표로 이어질 뿐입니다." 이것이 이 학교의 이론적 토대를 마련했습니다.
1857년 OG Leland(1813-1875)는 30개 이상의 네거티브로 구성된 르네상스 스타일의 작품을 만들었습니다. 두 가지 라이프스타일, 사진 예술의 회화주의 성숙을 상징합니다.
이 시기 작품의 주제는 대부분 종교적이며 어느 정도의 은유를 담고 있다. 촬영할 때 예고편의 스케치를 만든 후 모델과 소품을 사용하여 장면을 정리하고 배치한 후 암실에서 처리합니다. 포토스크린의 회화적 효과를 추구합니다.
이후 회화적 사진의 내용은 확대되었으나 스타일은 여전히 고전주의를 표방하고, 형태와 구도도 여전히 학원의 규칙을 따르고 있어 보수적이고 차분하며 우아해 보였다.
사진작가 Zheng Jingkang이 촬영한 "제백석" 장르가 회화 단계로 발전했을 때에도 작품의 감성과 예술적 개념, 형식미를 추구하는 것은 여전히 그 특징입니다.
회화적 사진가들은 예술적 성취를 강조하기 때문에 “사진이 예술에서 지위를 갖기를 원한다면 사진가는 먼저 미적 능력을 기르고 예술적 성취를 키워야 한다.” 따라서 그들의 역사적 성취는 초기 기계적인 것부터 사진을 이끈다. 조형 예술 분야에 사물의 모방을 장려하고 사진 예술의 발전을 촉진했습니다.
대부분의 화보주의 창작물은 현실과 동떨어져 있고, 사진 장비의 지속적인 개선으로 인해 사람들의 초기 미적 취향의 지속적인 발전은 '자연주의'의 영향을 받았습니다. 그럼에도 불구하고 그것은 오늘날에도 여전히 사진 예술의 전당에 자리잡고 있습니다.
이 장르의 주요 사진작가와 작품으로는 The Baron's Banquet, Robinson Crusoe, and the Pagoda Scene by Plessy(?-1896), Robin Lin의 When the Day's Work is Done, Autumn, Two Little Girls , The Dying, Juliet with the Poison Bottle, Dawn and Sunset; Leland the Baptist's Covenant, Iphigenia, Eudith 및 Holofernes (1815-1897) Thomas Carlyle 및 Nida (1820-1910) The Dying Man 등.
2. 인상파 사진
1899년 영국에서 프랑스 인상파 회화의 첫 전시회가 열렸습니다. 그의 영향을 받아 회화적 사진작가인 로빈슨은 "소프트 키 사진이 샤프 사진보다 아름답다"라는 미적 기준을 제시하고 "소프트 키" 사진을 옹호했습니다. 이 장르는 사진 예술 분야의 회화에 인상주의를 반영한 것입니다.
처음에는 소프트 포커스 렌즈를 사용해 촬영하고 질감이 있는 종이에 인쇄해 흐릿한 예술적 표현 효과를 추구했다. "브로마이드 상 세척 방법"의 출현과 인화지를 세척하기 위해 안료에 이크롬산 접착제를 혼합하는 방법으로 인상주의 작품은 렌즈 이미징 제어에서 암실 처리까지 발전했습니다. 그들은 "작품을 사진처럼 보이지 않게 만들자"고 제안했고 "그림이 없으면 실제 사진도 없을 것"이라고 믿었습니다.
이 이론에 따라 인상파 사진가들도 브러시를 사용했습니다. 사진 화면 위에 연필과 지우개를 가공해 원래의 명암 변화를 의도적으로 바꿔 '회화' 효과를 추구했다. 예를 들어 1900년 라크로아가 만든 '공원을 청소하는 남자'는 캔버스에 목탄으로 그린 그림과 같다. . 인상파 사진가들은 작품에서 사진예술의 특성을 완전히 잃어버렸기 때문에 이를 '모방파'라고 부르는 사람들도 있다. 회화주의 사진의 한 분야라고 할 수 있다.
이 장르의 예술적 특징은 어두운 톤, 거친 그림자 패턴, 장식은 풍부하지만 공간감이 부족하다는 점입니다.
유명한 사진가로는 Dumash(?-1937), Puyo(1857-1933), Qiu En(1866-1944), Wasek(1848-1903) 및 Hofmeister 형제(1868-1943), Durkov(1871-1937)가 있습니다. 1848-1918), 에베르트(1874-1948), 미즈넷(1870-1943), 신튼(1863-1908), 치리(1861-1947) 등.
3. 사실적 사진
사실적 사진은 오랜 역사를 지닌 사진 장르로, 오늘날까지도 여전히 사진 예술의 기본이자 주요 장르이다. 이는 사진 예술 분야의 사실주의 창작 방식을 반영한 것입니다.
이 장르의 사진 작가들은 사진의 기록적 성격을 자신의 창작물에서 고수합니다. 그들의 견해에 따르면 사진은 "자연 그 자체와 동등"해야 합니다. " '수학적 정확성'은 작품이 다른 예술 매체가 할 수 없는 매력과 설득력을 발휘할 수 있게 해줍니다. A. 스티글리츠는 “충실함만을 탐구하는 것이 우리의 사명이다”라고 말한 적이 있습니다. 반면에 그들은 거울처럼 대상을 무관심하고 순수하게 객관적으로 반영하는 것을 반대하고 창조는 선택적이고 반사되는 모든 것에 주의해야 한다고 주장했습니다. 예술가 자신의 미학적 판단이 있어야 한다. 사실주의 사진의 거장 루이스 하인은 “나는 바로잡아야 할 것들을 드러내고 동시에 칭찬해야 할 것들을 반영하고 싶다”고 말했다. 예술은 “삶을 반영”해야 합니다. 그들은 과감하게 현실을 직시하며, 그들의 창의적인 주제 대부분은 사회생활에서 따왔습니다. 예술적 스타일은 단순하고 소박하지만 강력한 증거력과 상기시키는 힘을 가지고 있습니다.
사실적 사진의 가장 초기 취미는 1853년 영국 사진가 필립 드 라 모트(Philippe de la Motte)가 촬영한 콜로디온 다큐멘터리입니다. 나중에는 60년대 후반 Ross Fenton의 전쟁 사진과 William Jackson의 Wonders of Yellowstone이 있었습니다. 1870년 이후 사실적 사진은 점차 성숙해지며 그 렌즈를 사회와 삶으로 전환하기 시작했습니다. 예를 들어, 당시 사진작가 바르나르도 박사(Dr. Barnardo)는 길거리 아이들의 비극적인 곤경을 사진으로 찍어 사람들을 놀라게 했습니다.
사실적 사진이라는 취미가 지닌 엄청난 인지적 역할과 남다른 매력으로 인해 저널리즘 분야에서 점차 독자적인 위치를 차지해 왔습니다. 1990년대 뉴욕 빈민가에서의 삶을 그린 미국 사진작가 제이콥 리스(Jacob Rees)의 작품이 이 분야의 기반이 되는 작품이다.
이후 사실주의 사진가들이 대거 등장했고, 그들의 작품은 사진사에서 강한 사실성과 심오함을 지닌 것으로 유명하다. 예를 들어, 영국의 Brandt의 "The Coal Pickers", 미국의 R. Capa의 "The French Woman Parade with Shaved Head", 프랑스의 Weiss의 "Girls" 등이 있습니다.
4. 자연주의 사진
1899년 사진가 피터 헨리 에머슨(Peter Henry Emerson)은 회화주의의 약점을 고려하여 "자연주의 사진"이라는 제목의 기사를 발표했습니다. 이 논문은 회화적 사진을 파편화된 사진으로 비판했습니다. 그리고 사진가들이 창의적인 영감을 찾기 위해 자연으로 돌아갈 것을 옹호했습니다. 그는 자연이 예술의 시작이자 끝이며, 자연에 가장 가깝고 자연을 닮은 예술만이 최고의 예술이라고 믿는다. 그는 사진보다 자연을 더 정확하고 꼼꼼하고 충실하게 반영하는 예술은 없다고 말했습니다. "감성적 재료로 기록되는 수정되지 않은 렌즈 장면에 사진 취미의 효과가 있습니다." 분명히: "예술은 예술가에게 맡겨야 합니다. 사진에 관한 한 우리는 예술에 의지할 것이 없으며 독립적인 창작에 참여해야 합니다."
이러한 예술적 제안은 회화주의에 대한 반동으로 사람들이 사진을 학문주의의 족쇄에서 해방시키고 사진 고유의 특성을 최대한 활용하도록 장려합니다.
이 장르의 창의적인 주제는 대부분 자연 풍경과 사회 생활입니다.
자연주의 사진은 현실의 표면적 현실과 세부적인 '절대적' 현실을 묘사하는 데 만족하기 때문에 현실의 본질에 대한 탐구와 표면 대상의 정교함을 한마디로 무시한다. 예술적 창작의 유형화와 예술적 이미지의 전형성에 관심을 기울이지 않는 것은 본질적으로 사실주의의 저속함입니다. 때로는 이것이 현실의 왜곡으로 이어지기도 합니다.
이 학교의 유명한 사진가로는 Dewison(1856-1930), Wilchinson(1857-1921), Gurr(?-1906), Tie Ye(1856-?), Savoy Turcliffe(1859-1940) 및 다른 사람.
5. 순수주의 사진
순수주의 사진은 20세기 초에 성숙해진 사진 예술 학교입니다. 창립자는 미국 사진작가 스티글리츠(1864~1946)이다. 그들은 사진 예술은 회화의 영향에서 벗어나 사진의 특성과 성능을 최대한 발휘해야 하며 순수한 사진 기술을 사용하여 높은 선명도, 풍부한 색조, 섬세함 등 사진 고유의 미적 효과를 추구해야 한다고 주장합니다. 빛과 그림자의 변화, 순수한 흑백 톤, 섬세한 질감 표현, 정밀한 이미지 표현. 요컨대, 이 학교의 사진가들은 다른 조형 예술 매체에 의존하지 않고 피사체의 빛, 색상, 선, 형태, 질감 및 품질을 정확하고 직접적이며 섬세하고 자연스럽게 표현하는 소위 "사진 품질"을 의도적으로 추구합니다. .
1913년 코베인이 전시한 <뉴욕 전망>은 순수주의자들의 걸작이다. 사진가는 뉴욕의 한 광장을 높은 곳에서 바라보고 있다. 비록 가공이나 변형은 없지만, 참신한 구도와 독특한 형태가 신선하다. 또 다른 예는 다중노출의 한계를 극복한 솔직한 E. 샌드버그이다. 공간과 시간을 한 작품에 담아내며, 시인의 감정 변화와 음조의 결합, 구도의 변화를 강한 리듬감으로 한 화면에 섬세하게 그려내고 있다.
어떤 관점에서 볼 때 순수주의자들의 사상과 창작물 중 일부는 형식주의와 자연주의의 '혼합체'였으며, 이는 나중에 '신유물론'으로 진화했습니다. 그러나 이 장르는 사진의 특성과 표현기법에 대한 사람들의 탐구와 연구를 어느 정도 촉진시켜 왔다.
이 장르의 유명한 사진가로는 Strand(1890-?)와 F64 그룹 사진 단체의 사진가인 Adams, Cunningham 등이 있습니다.
선과 패턴, 왜곡된 이미지의 추상적 측면을 지향하는 순수주의자들의 후기 작품에는 야보(Yabo), 스티너(Stinner), 스텟빈(Stetvin), 에반스(Evans)가 있다.
6. 신객관주의 사진
신객관주의 사진은 '지배 사진', '신사실주의 사진'으로도 알려져 있습니다. 1920년대에 등장한 사진예술 장르이다.
이 장르의 예술적 특징은 평범함 속에서 '아름다움'을 추구한다는 점이다. 클로즈업, 클로즈업 및 기타 기술을 사용하여 대상을 전체에서 "분리"하고 대상의 특정 세부 사항을 강조하며 표면 구조를 정확하고 충실하게 묘사함으로써 눈부신 시각적 효과를 얻습니다. 예술의 본질은 대상의 본질을 상기시키는 데 있다고 생각하지 않기 때문에 그 미학적 사고는 자연주의의 범주에 속한다. 예를 들어 사진작가 파추(Pa Qiu)는 1923년에 기관차 회전축을 클로즈업해서 촬영했는데, 달리는 동안 기관차 회전축의 모습을 보여주기 위해 사진에서는 다른 세부사항을 생략했기 때문에 관객들에게 강렬한 시각적 인상을 주었다.
신객관주의의 이론적 선구자는 오브제주의의 예술적 특징을 다음과 같이 정의한 스트랜드이다. “신객관주의는 사진의 본질이자 사진의 산물이자 한계이기도 하다.” 사진은 "삶을 극도로 표현하며, 올바른 것을 관찰하려면 눈이 필요합니다. 이를 위해서는 형식적인 과정과 방법에 기반을 두지 않고 순수한 사진을 사용해야 합니다." 사진의 선구자는 앗제와 스타이헨이다. 실제 창립자는 위에서 언급한 Paqiu입니다.
파추는 사진 예술이 사진 고유의 특성에 의존해야 한다고 강조했습니다. 그는 사진 고유의 특성을 최대한 활용해야만 사진의 미학적 가치가 숨겨져 있다고 믿었습니다. 그는 “그림은 화가가 마음대로 그려야 한다. 고유한 특성을 바탕으로만 자립할 수 있는 사진이 만들어질 수 있다. 그림에서 아무것도 빌릴 수 없다”고 말했다.
신객관주의 사진가들의 기여는 사람들이 사진 자체의 특성을 연구하고 탐구하도록 유도하고 사진을 미적 환상의 세계에서 현실 생활로 되돌리는 것입니다. 그러나 물질의 상세한 표면 구조에 대한 묘사가 지나치게 강조되었기 때문에 이는 이후의 추상 사진이 싹트기 위한 토대를 제공했습니다.
1925년경에는 대구경 소형 카메라의 등장으로 신유물론 표현분야에 새로운 발전이 있었고, 사회생활과 자연풍경 작품을 반영한 초상화 작품과 그림이 많이 제작되었다.
신객관주의의 유명한 사진가로는 Sander(1876-1964), Leski(1871-1956), Heige(1893-1955), Hirsch(1881-1948), Hugh Liman Hoppe(1878-?), Evert(1874-1948), Weston Adams(?-1902) 등
7. 초현실주의 사진
초현실주의 사진은 다다이즘의 쇠퇴기에 사진예술 분야에서 등장하여 1930년대에 등장한 장르이다.
이 장르는 비교적 엄격한 예술 프로그램과 예술 이론을 가지고 있습니다. 현실 세계를 표현하기 위해 사실적인 창의적 방법을 사용하는 것은 고전 예술가들이 이미 완수한 과제인 반면, 현대 예술가의 사명은 인간의 '정신적 세계' 중 새롭고 미개척된 부분을 탐구하는 것이라고 믿습니다. 따라서 인간의 무의식적 활동, 우연한 영감, 심리적 이상, 꿈 등은 초현실주의 사진작가들이 의도적으로 표현한 대상이 되었다.
다다 사진가와 같은 사진 분야의 초현실주의자들은 가위, 풀, 암실 기법을 주요 모델링 방법으로 사용하여 작품 속 장면을 쌓고 엮고 재구성하며 특정 세부 표현과 임의의 과장을 결합합니다. , 변형, 생략 및 상징적 기법을 통해 현실과 환상, 콘크리트와 추상 사이의 초현실적인 "예술적 영역"을 창조합니다. 그래서 그 효과는 낯설고, 터무니없고, 신비롭습니다.
이 장르의 창시자는 영국 사진가 존 스톤과 미국 사진가 블루 퀘일(1880~1945)이다. 이를 실현한 실제 인물은 영국의 무대 사진작가 마르코 빈(Marco Bin, 1905~?)이다. 그는 자신의 작품에서 '초현실'이라는 가상과 현실의 현실을 결합해 환상이면서도 현실인 일종의 환상을 만들어냈다. 왕국. 예를 들어, 그가 1946년에 만든 "마르코팽의 자화상"은 전형적인 초현실주의 작품입니다. 이 작품은 정면, 측면, 측면의 네 가지 노출 기법을 사용하여 촬영되었습니다.
이 장르의 유명한 사진가로는 초현실주의 사진 컬렉션에 종사하는 화가 Parhan, 인물 및 홍보 사진가인 Brandt, Blumenthal 및 Lowe가 있습니다. 외.
8. 추상 사진
추상 사진은 제1차 세계 대전 이후 등장한 사진 예술의 한 장르입니다.
이 학교의 사진가들은 삶을 반영하고 작가의 미적 감정을 면밀한 예술적 이미지로 표현한다는 조형예술의 기본 특성을 부정하고, “사진으로부터 사진을 해방”시키고자 한다고 선언한다.
초기에는 '대상'의 세밀한 질감과 풍부한 톤을 생략하고 형태만 표현한 '빛 그림'을 만들기 위해 무하 확대 방식을 사용했다. 나중에 사진의 표면 구조가 바뀔 때까지 빛을 사용하고, 하이라이트를 편집하고, 중간에 노출하거나, 촬영 중에 카메라를 흔들어 필름 속 피사체의 이미지를 흐리게 하거나, 여러 번 노출시켜 유령처럼 보이게 하는 방식으로 발전했습니다. 촬영된 사물의 본래 형태와 공간적 구조는 형태, 색조(색상), 재료라는 소위 '완전히 추상적인 언어'를 사용하여 촬영된 사물을 인식할 수 없는 선, 점, 형태의 조합으로 변형시키려고 합니다.
이 학교의 예술가들이 이른바 인간의 가장 현실적이고 가장 본질적인 잠재의식의 세계라고 여기는 것을 표현하는 것입니다. 작품에서는 사진에 찍힌 사물을 작가가 빌려 자신의 상상과 개성을 마음대로 표현하는 노트를 제작할 뿐이다.
추상사진의 창시자는 탤벗(Talbot, 1800-1877)이다. 처음에는 작품의 이미지가 여전히 어느 정도의 가독성을 유지하고 있습니다. 1917년에는 사진작가 코베인(1882~?)이 나무 조각과 투명한 유리 파편을 사용해 촬영한 '보르도 그림'은 전혀 알아볼 수 없게 되었습니다. 1922년 헝가리의 추상화가 Moholinaki(1895~?)가 Manray(1890~?) 등을 토대로 이를 발전시켜 이론적으로 확립하였다. 그 후 추상화가 칸딘스키, 쾰러 등이 현미경 사진과 유럽 및 미국 국가를 소개했습니다.
이 장르의 대표자로는 기사에서 이미 언급한 것 외에도 Scott, Fenninger, Anzhenlanth, Freitai, Winchester, Greenbach, Xia De 및 Bruquier 등이 있습니다.
9. 칸디 사진
칸디 사진은 제1차 세계대전 이후 등장한 주요 사진 학파로 회화주의 사진에 반대합니다.
이 학교의 사진가들은 사진의 특성을 존중하고 진정성과 자연스러움을 강조하며, 촬영 시 사물을 배치하거나 방해하지 않으며, 피사체의 순간적인 분위기를 자연스러운 상태로 포착하는 것을 옹호합니다. 프랑스의 유명한 '칸디스' 사진작가 앙리 카르티에 브레송은 이렇게 말한 적이 있습니다. "나에게 사진은 사건의 의미를 순간적으로 포착하고 사건을 정확하게 표현할 수 있는 것입니다. 정확한 조직적 형태가 기록됩니다." 그러므로 이 장르의 예술적 특징은 객관적이고, 현실적이며, 자연스럽고, 친근하고, 캐주얼하고, 조각되지 않고, 생생하고, 생명력이 넘친다는 것이다.
모두 인간 본성의 표현을 옹호하고 대부분이 뉴스 사진 작업에 종사하고 있음에도 불구하고 '칸디' 학파의 사진가들의 상황은 미적 사고와 창의적 성향 측면에서 상대적으로 복잡하다. 그러나 일부는 자연주의자이고 일부는 현실주의자입니다.
이 장르를 탄생시킨 작품은 1893년 사진가 알프레드 스티글리츠의 『뉴욕 5번가의 겨울』이었으며, 실제 완성자는 독일의 사진가 에릭 살로몬 박사였다. 그가 독일과 프랑스 총리의 야간 회담을 마치고 작은 카메라로 촬영한 <로마의 정치 회의>는 그 생생함과 진정성으로 인해 이 장르 사진사에서 고전적인 작품으로 자리 잡았다. , 단순함과 자연.
사진 미학에 있어서는 “사진의 기본 특성을 바탕으로 한 사진은 화가나 동판화가가 흉내낼 수 없다. 그 자체로 나눌 수 없는 자아와 그 자체의 특별한 표현력, 심지어는 특징까지 갖고 있다”고 믿는다. 다른 매체로는 표현할 수 없는 것"이라고 말했다. 둘째, 객관적인 사물의 수행에 있어서는 "(사진가는) 세상을 보기 위해 남의 눈으로 세상을 보는 것이 아니라, 자신의 눈을 사용해야 한다"며 독창성을 중시하고 강조한다. 평범하다, 훌륭하다., 그것이 가치가 있느냐 없느냐의 기준이다."
이 학교의 유명한 사진가로는 미국의 Thomas Dowell McAvoy, 영국의 Celie Model, Victor W. Halfman 등이 있습니다. Louis Dahl Wolf, Peter Stuck, Peter Bruwich 등도 있습니다.
10. "다다" 사진
"다다"는 제1차 세계대전 당시 유럽에서 등장한 문학적, 예술적 사상입니다. "다다"는 원래 프랑스어 어린이 언어에서 "조랑말"이나 "장난감 말"을 뜻하는 일관되지 않은 용어입니다. 다다이스트 예술가들은 자신의 창작물에서 합리성과 전통문화를 부정하고, 예술과 미학은 서로 무관하다고 선언하고, “회화와 모든 미학적 요구를 포기한다”고 주장하며, 무(無)를 옹호하고, 그들의 창작물을 거의 농담으로 만들기 때문에 사람들은 이것을 이렇게 부른다. 미술학교 '다다' 그룹'.
이러한 예술적 경향의 영향으로 사진 예술 분야에도 '다다파'가 등장했다. 유명한 사진작가 Halsman은 한때 모나리자의 그림을 그렸습니다. 그녀의 통통한 손은 튀어나온 정맥과 털이 많은 머리카락으로 변했을 뿐만 아니라 지폐로 채워져 있었습니다. 그것은 터무니없고 설명이 없는 것으로 묘사될 수 있습니다.
다다 사진 작가들의 창작물 대부분은 자신의 생각을 표현하기 위해 일종의 환상적인 장면을 만들기 위해 편집 및 처리에 암실 기술을 사용했습니다. 예를 들어, LM Naki의 Leda and the Swan은 아름다운 그리스 신화 이야기를 모호하고, 이상하고, 이해하기 어려운 이미지와 선의 조합으로 바꿉니다. 그림에서 시각적 이미지는 더 이상 그 자체의 의미를 가지고 존재하지 않고 단지 어떤 관념의 구성요소일 뿐이다. 다른 사람들은 편집 방법을 사용하여 나이아가라 폭포가 뉴욕으로 흘러 들어가 황량한 세계 종말 장면을 만들었습니다.
다다의 사진 작품은 사람들의 일반적인 미학적 취향과 요구 사항을 충족시키지 못했기 때문에 1924년 이후에는 점점 더 명확하고 완전한 예술적 의제와 프로그램을 갖고 있던 초현실주의 미술 학교의 영향을 받았습니다. 그러나 그 영향력은 이후 등장한 현대 사진예술에서도 여전히 찾아볼 수 있다.
유명한 다다 사진가로는 Philippe Halsman, Morgan, Ratslo Moholinaki 및 Listky가 있습니다.
11. 주관주의 사진
주관주의 사진은 제2차 세계대전 이후 형성된 사진 예술 장르로, 추상 사진보다 '추상'적이어서 '포스트'라고도 불린다. -전쟁 세력."
사진 예술 분야의 실존 철학적 경향을 반영한 것입니다. 창립자는 독일 사진가 Ot Steinert입니다. 그는 "사진은 원래 고유한 능력과 높은 수준의 주관적 주도성을 지닌 광범위한 분야이지만 이제는 일종의 기계적 사실주의가 되었다"고 믿습니다. 그래서 그는 “사진예술의 주관성에 대한 예술적 명제를 내놓았다. 사진예술의 궁극은 사진가 자신의 흐릿한 생각을 일깨워 주고, 말로 표현할 수 없는 내면의 상태와 잠재의식의 활동을 표현하는 것”이라고 강력히 주장했다. 그리고 개인 사진. 이것은 이 장르의 예술 프로그램입니다. 주관적인 사진 작가들은 자신의 창의적인 개성을 크게 강조하며 기존의 모든 예술적 규칙과 미학적 기준을 경멸합니다. 이 학파의 이론가들은 "주관적 사진은 단순한 실험적인 이미지 예술이 아니라 자유롭고 제한되지 않은 창작 예술"이라고 공개적으로 밝혔습니다. "우리는 기술적 수단을 사용하여 마음대로 사진을 만들 수 있습니다."
서양 신체 사진 세계 미술사에서 그리스와 유럽 르네상스의 영광스러운 신체 예술의 시기가 있었습니다. 그 이후에 탄생한 사진 예술은 초기에 객관적인 현실을 재현하는 데 있어서 충격적인 예술적 표현을 경험했습니다. 탐구와 창의성의 정신이 인체사진 분야로 진출하기 시작했습니다. 1857년, 나중에 영국에 거주한 스웨덴의 사진가 레드랜드(Redland)는 사진사에서 고전으로 평가받는 '인생의 두 길'이라는 사진을 찍었다. 이 사진은 줄거리와 장면이 풍부하고 활용도가 높다. 작품의 주제는 백발의 노인을 중심으로 선을 관찰하고 악을 징벌하는 것이며, 양쪽의 두 그룹의 캐릭터는 두 가지 다른 도덕적 개념, 삶의 이상과 삶의 여정을 구현합니다. 왼쪽은 근면, 친근함, 진취적인 정신을 나타내고, 오른쪽은 탐욕, 향락, 타락을 상징합니다. ***30개 이상의 네거티브 필름 클립과 확대 콜라주로 구성되었습니다. 이는 원래 매우 상상력이 풍부하고 긍정적인 예술적 계획이었으며 당시 빅토리아 여왕도 높이 평가한 것이었습니다. 신흥 사진 예술은 맨체스터에서 열린 중요한 조형 예술 작품 전시회에서 높은 명성을 얻었습니다. 그러나 나체의 여성을 너무 많이 사용하고, 거칠고 음란한 자세를 취하고, 음란물을 다룬다는 등 소수의 공격도 받고 있다. 바디 아트는 아무리 이념적 중요성이 뛰어나고 예술적 처리가 훌륭하더라도 어느 시대 어느 나라에서나 일부 사람들로부터 비판과 공격을 받는 것을 볼 수 있습니다. 이것은 아마도 일반적인 반응이 되었을 것입니다.
서구 신체 사진의 발전 추세는 매우 분명합니다. 전통적인 전통 인체사진을 발전시키면서 강한 주관적 감성과 현대적인 사진언어를 표현하는 것이 대중화되면서 다양한 장르와 스타일의 작품을 창작하게 되었고, 기형, 절단, 재구성, 미스터리, 부조리, 추함과 같은 예술적 개념까지 생겨나게 되었다. 나타났다. Jerry Yusman의 상징적인 신체 사진, Roger Madin의 "Random Body", Todd Volk의 독창적인 대형 신체 사진, Robert Henneschian과 Kai Taksu ·오클라호마 등의 절단 및 재구성 신체 사진, Lisili Kronas의 터무니없는 신체 사진, 닝다, 콘라도니 미첼 등의 섹시 바디 사진
중국·동양문화와 인체사진
정리하자면 역시 동양문화를 기반으로 하는 중국, 일본 등의 인체사진 역시 전혀 다른 두 가지 예술성을 갖고 있다. 하나는 동양문화와 민족문화를 결합하여 독특한 개성을 지닌 누드사진을 창조하려는 것이고, 다른 하나는 서구문화와 유럽, 미국 문화를 거침없이 결합시켜 강렬한 개성을 지닌 누드사진을 창조하려는 것이다. 각각에는 작가, 독자, 청중으로 구성된 고유한 그룹이 있으며 동시에 작업하고 독립적으로 개발할 수 있습니다.