이탈리아 오페라의 특징은 무엇인가요?

초기 이탈리아 오페라 피렌체 오페라의 전개와 특징:

1. 최초의 오페라: '다프네'는 1597년 리누치니가 대본을 쓰고 페리가 작곡한 음악으로 공연되었다. (Dafne) 이 작품의 악보 중 일부만 남아 있기 때문에 사람들은 일반적으로 1600년에 리누치니가 대본을 쓰고 페리와 카치니가 작곡한 완전한 "Euridice"를 최초의 오페라라고 부릅니다.

2. 초기 오페라의 특징: 대본은 그리스 신화를 바탕으로 하였으며, 이후 역사적 주제를 추가하였다. 음악부분은 연속체 형식을 취하고, 창창부분은 주로 음역이 넓지 않고 리듬이 자유로우며 악기 반주도 적고 합창도 사용된다.

로마 오페라:

1. 대표적인 인물 및 작품: 로마 작곡가 E. Cavalieri(대략 1550-1602)가 작곡한 "The 구체화 of Spirit and Flesh"(La rappresentazione di Anima , edi Corpo) 1600년 2월에 공연된 이 극은 로마 오페라의 토대를 마련했습니다. "영과 육체의 화신"은 실제로 역사가들에 의해 오페라의 원형을 갖춘 오라토리오로 간주되며 그 내용은 종교적, 도덕적 측면을 포함합니다.

2. 특징: 화려한 오페라 장면이 주는 즐거움에 초점을 맞추고 화려한 무대 디자인과 기계적인 풍경, 발레 장면을 더해 각 막은 합창과 춤으로 끝난다.

베니스 오페라:

1. 최초의 오페라 하우스 설립: 1637년 베니스에 설립된 최초의 오페라 하우스인 산 카시아노(San Cassiano)는 귀족 살롱과 법원에서 부르주아지로.

2. 대표적인 인물과 작품 : 1607년 베네치아 오페라 작가 몬테베르디가 완성한 오페라 '오르페오'는 리누치니의 '에우리디체'와 비슷한 주제를 가지고 있다. 이 연극에서 몬테베르디는 목가적이고 종교적인 음악 창작에 대한 풍부한 경험과 16세기 음악 보고의 다양한 수단을 결합하여 "오르페오"를 오페라 역사상 최초의 진정한 정통 오페라로 만들었습니다.

3. 특징: 오페라에서는 아리아와 이중창이 많이 사용되며 감정표현에 중점을 두고 벨칸토 창법에 주의하며 합창형식을 거의 사용하지 않으며 현악기군이 중요한 역할을 한다. 최초로 뮤직포스의 퍼포먼스를 강화했다.

나폴리 오페라:

1. 진지한 오페라 방향으로 발전하다: 나폴리는 오페라가 발전한 이탈리아의 마지막 도시로 17세기 말에 시작되어 자리 잡았다. 18세기에 진지한 오페라(오페라 세리아)로서 이 오페라의 영향력은 19세기까지 확대되었다. 허구의 역사나 영웅적인 행위를 주제로 삼는 경우가 많으며, 벨칸토를 추구함에 따라 남성의 강한 폐활량과 여성의 부드럽고 밝은 목소리를 겸비한 '카스트라토' 가수들이 인기를 끌었습니다.

2. 대표인물 및 작품 : 나폴리 음악파의 대표주자인 알레만드로 스카를라티(1660-1725)는 성악의 서정적인 음색을 바탕으로 자유롭게 전개되는 아리아(아리아)를 창작하여 벨칸토를 탄생시켰다. 노래는 넓은 세계입니다. "테오도라"로 표현됩니다.

3. 특징(정식오페라의 특징이기도 함):

1) 내용면에서는 주로 고대 신화나 역사적 전설을 바탕으로 하고 있으며, 내용이 진지한 편이다. 코메디.

2) 구조적으로 보면, 원래의 5막 오페라부터 간결한 3막 구조까지, 막 사이에 코미디 막간(무대 입구에서 공연되는 인트레메초)이 삽입되는 경우가 많습니다. 매우 개인적인 서곡(빠르게-느리게-빠르게 세 부분으로 구성)으로 시작되며, 암송과 귀환 아리아가 번갈아 가며 듀엣과 합창이 거의 없고 춤도 없습니다.

3) 두 가지 다른 낭송: 하나는 긴 대화나 독백에 사용되는 건식 낭송이며, 다른 하나는 반주 낭송으로 복잡한 감정을 표현하는 데 좋습니다. 극적이고 긴장된 장면에서도 솔로가 오케스트라와 함께 사용됩니다.

4) 시작 아리아로 돌아가기: 이 아리아는 ABA 3섹션 형식입니다. 작곡가들은 일반적으로 더 이상 A섹션을 재현하지 않고 B섹션 끝에 다 카포만 표시합니다. 처음부터 반복한다는 뜻으로 '처음으로 돌아간다'는 뜻으로 가장하고 마지막에 Fine(끝이라는 뜻)을 표시한다.

[이 문단 편집] 오페라의 발전 17세기 말, 아시아 6·1로 대표되는 나폴리 오페라 학교 스카를라티는 로마에서 가장 큰 영향력을 행사했다. 이 음악 학교는 극중 합창과 발레 장면을 사용하지 않았지만 후대에 "벨 칸토"로 알려진 독창 기술을 고도로 발전시켰습니다. 이러한 '작품 우선 가창' 방식이 극단적으로 치닫게 되면 오페라 본래의 극적 표현력과 이념적 함의가 거의 상실된다. 그 결과 1720년대에는 일상생활을 바탕으로 해학적인 구성과 단순한 음악을 지닌 코믹오페라 장르가 등장하였다. 이탈리아 코믹 오페라의 첫 번째 고전적인 예는 파골레시의 "주부"(1733년 초연)입니다. 이 연극은 원래 진지한 오페라의 막간으로, 1752년 파리에서 공연되었을 때 보수주의자들의 비방을 받았습니다. 오페라 역사상 그 유명한 '코믹 오페라 논란'을 다룬 작품이다. 루소가 쓴 프랑스 최초의 코믹 오페라 '예언자'는 이러한 논쟁과 이 오페라의 영감을 받아 탄생했다.

이탈리아 오페라는 프랑스에서 가장 먼저 변형되어 프랑스 민족 문화와 결합되었습니다. 륄리는 프랑스 오페라("서정적 비극")의 창시자였으며 프랑스어와 밀접하게 통합된 독창 멜로디를 창조한 것 외에도 오페라에서 발레 장면을 사용하는 방법을 개척했습니다. 영국에서 퍼셀은 영국의 가면무도회 전통을 바탕으로 영국 최초의 국립 오페라인 디돈과 아이네이아스를 창작했습니다. 독일과 오스트리아에서는 하이든, 디터스도르프, 모차르트 등에 의해 민속오페라가 독일과 오스트리아의 국립오페라로 발전하였다. 대표작으로는 모차르트의 <마술피리>가 있다. 18세기에 이르러 글루크는 당시 나폴리 오페라의 평범함과 피상성을 겨냥하여 오페라는 내용이 심오해야 하고, 음악과 연극은 통일되어야 하며, 공연은 단순하고 자연스러워야 한다고 주장했다. '오르페오와 에우리디케', '올뤼드의 이피게네스' 등 그의 사상과 작품은 후대 오페라 발전에 큰 영향을 미쳤다.

19세기 이후 이탈리아의 G. 로시니, G. 베르디, G. 푸치니, 독일의 R. 바그너, 프랑스의 G. 비제, 러시아의 M.I. 글린카, M.P 무소르그스키, P.N. 오페라 발전에 중요한 공헌을 했다. 18세기에 결성된 '오페라'(오페레타, 작은 오페라라는 뜻)는 독립된 장르로 진화·발전했다. 짧은 구조와 대중음악이 특징이며, 독주, 듀엣, 합창, 댄스 외에 언어도 사용한다. 오스트리아 작곡가 Sobey와 독일 출신의 프랑스 작곡가 Offen Bach가 이 장르의 창시자입니다.

20세기 오페라 작곡가 중 초기의 대표적인 인물은 1차 세계대전 이후 바그너의 영향을 받은 리하르트 슈트라우스(<살로메>, <덴 로젠카발리에>), 베르크(<보체크>)이다. ) 1940년대부터 오페라 창작에 무조성의 원리를 적용한 사람으로는 Stravinsky, Prokofiev, Milhaud, Manotti, Barbier, Orff, Janastella, Henze, More 및 유명한 영국 작곡가 Britten 등이 있습니다. [이 단락 편집] 오페라 노래 음성 분류

가수가 수행하는 역할은 다양한 범위(테시투라), 민첩성, 힘 및 음색(음색)에 따라 분류됩니다. 남성 가수는 베이스, 바리톤, 바리톤, 테너, 가성 테너(소프라니스트/카운터테너) 등 저음역부터 고음역까지 구분됩니다. 여성 가수는 저음역에서 고음역까지 알토, 메조소프라노, 소프라노로 구분됩니다. 소프라노는 콜로라투라 소프라노, 리릭 소프라노 등 다양한 범주로 나눌 수 있습니다. 기본적으로 남성 목소리의 음역은 모든 여성 목소리의 음역보다 낮지만 일부 가성 테너는 알토 범위 내에서 노래할 수 있습니다. 가성 테너는 고대 작곡에서 카스트라토가 부른 역할에서 더 일반적입니다.

음역별로 분류한 뒤, 리릭 소프라노, 드라마틱 소프라노, 엄숙한 소프라노(소프라노 스핀토), 콜로라투라 소프라노(소프라노 콜로라투라), 라이트 소프라노 등 노래에 관한 형용사를 붙이는 경우가 많다. 이러한 용어가 음성을 완전히 설명할 수는 없지만 다양한 음성을 분류하여 다양한 역할에 배치할 수 있는 경우가 많습니다. 일부 가수의 목소리는 갑작스럽고 급격한 변화를 겪기도 하고, 30대나 중년이 될 때까지 목소리가 성숙한 영광을 누리지 못하는 경우도 있습니다.

음성 분류의 사용

소프라노는 항상 대부분의 오페라의 여주인공에게 최고의 선택이었습니다.

그러나 클래식 음악 시대 이전에는 소프라노에게 가장 중요한 요구 사항은 오늘날 요구되는 넓은 음역보다는 음성 제어 기술이었으며 당시 소프라노에게 요구되는 최고 음은 고A를 초과하지 않는 경우가 많았습니다. 메조소프라노라는 용어는 비교적 최근에 나온 개념이지만 Purcell의 Dido와 Wagner의 "Tristan und Isolde" Special(Brang?ne)[22]의 Brangan과 같이 수행할 수 있는 역할이 많습니다. 알토가 노래할 수 있는 역할은 상대적으로 적은 경우가 많으며, 감정가들은 종종 알토가 "마녀, 암캐, 브리치"(바지를 입는 역할)만 노래할 수 있다고 농담합니다. 최근에는 원래 알토나 카스트라토가 부른 많은 역할이 가성 테너의 작품이 되었습니다.

테너는 클래식 음악 시대부터 현재에 이르기까지 오페라계의 주역이다. Cs Donizetti가 "La fille du régiment"에서 남자 주인공을 위해 작곡한 9회 연속 고역과 같이 가장 도전적인 테너 역할 중 다수는 벨 칸토 오페라 시대에서 나왔습니다. 반면에 바그너는 자신의 테너 주인공이 일반 테너보다 무거워야 한다고 요구했고, 이러한 유형의 역할을 설명하기 위해 사람들에게 "영웅 테너(Heldentenor)"라는 새로운 단어를 만들어 달라고 요청하기도 했습니다. 푸치니의 '투란도트'. 베이스 역시 오랜 역사를 가지고 있으며, 오페라 시대에는 조연으로 사용되었으며, 관객을 즐겁게 하기 위한 만화 캐릭터로 자주 사용되었습니다. 모차르트의 '돈 조반니'의 리포렐로, 바그너의 '니벨룽겐의 반지'의 보탄 왕 등 베이스가 맡을 수 있는 역할도 많습니다. 테너와 베이스 사이에는 19세기 중반까지 등장하지 않았던 바리톤이라는 개념이 있습니다. 유명한 역할로는 모차르트의 '모든 여자'의 굴리엘모와 '돈 카를로'의 로디가 있습니다. [이 단락 편집] 성악 오페라의 보컬 부분에는 독창, 이중창, 합창이 포함됩니다. 가사는 극중 캐릭터의 대사입니다(스타일에 따라 노래할 수도 있음). 또는 연극 개막식의 전주곡에도 가끔 헌정 프롤로그(성악 포함)가 있었습니다. 각 장면에서 기악은 노래의 반주 역할뿐만 아니라 연결 역할도 합니다. 막간은 막간을 연결하는 데 자주 사용되며 각 막에는 고유한 전주곡이 있습니다. 연극 진행 중에 춤을 삽입할 수도 있습니다. 오페라의 음악적 구조는 비교적 독립적인 음악들이 연결되어 구성될 수도 있고, 지속적으로 발전하는 통일된 구조일 수도 있다.

오페라에서 중요한 보컬 스타일로는 레시타티브, 아리아, 아리아, 레시타티브, 듀엣, 합창 등이 있으며, 장르에는 진지한 오페라, 코믹 오페라, 그랜드 오페라, 오페레타, 오페레타, 뮤지컬 코미디, 실내악 등이 있습니다. 오페라, 사운드트랙 드라마 등

아리아

아리아는 오페라에서 주인공이 자신의 감정을 표현하는 주요 아리아이다. 음악이 아름답고, 구조가 완벽하며, 가수의 보컬 실력을 표현할 수 있다. 나비 부인의 아리아 '맑은 날에', 라 트라비아타의 '내 심장이 왜 이렇게 뛰는가', 로지나의 '내 마음에는 목소리가 있다' 아리아 등 콘서트에서도 자주 듣습니다. , 특히 .

낭독

낭송은 줄거리를 전개하는 문단입니다. 이때 등장인물의 대사가 더 많아지는 문단은 적합하지 않습니다. 가창력이 너무 강해서 경극의 운율과 매우 유사한 레시타티브(recitative)라는 반말반창법을 사용했습니다. 경극에서 청의, 소성, 노성은 모두 과장된 발음을 지닌 일종의 낭독법을 갖고 있지만, 비록 선율이 그리 좋지는 않지만 서술을 노래 전후와 쉽게 연결시킬 수 있으며 그 기능은 낭송과 매우 유사하다. 서양 오페라에서. 유럽 ​​오페라의 초기 레시타티브는 노래가 거의 없어 "드라이 레시타티브(dry recitatives)"라고 불렸습니다. 그들은 종종 하프시코드를 사용하여 건반에 맞춰 코드를 연주했으며, 가수는 이러한 종류의 동음이의어를 반복적으로 사용했습니다. 중국어로 번역하는 것은 매우 불쾌합니다. 중국어에는 4개의 성조가 있고 우리 중국인은 단조로운 음색으로 노래할 수 없기 때문입니다. 오늘 식사하셨나요? 확실히 재미있을 것 같습니다. 그래서 이런 '건조한 낭송'을 접했을 때 우리는 랩을 없애고 대사로 대체했습니다. 그러나 19세기에 들어서면서 오페라 낭송의 점진적인 선율화와 함께, 예를 들어 우리가 "라 트라비아타"나 "카르멘"과 같은 오페라를 부를 때 낭송도 중국어로 번역되어 멜로디의 음높이를 따라갈 수 있게 되었습니다. 중국의 4가지 적절한 성조

듀엣가창

더블가창은 서로 다른 여러 인물이 각자의 특정한 감정과 극적인 구성에 따라 동시에 노래하는 것을 두 사람이 동시에 노래하는 것을 말한다. 때때로 그들은 작품으로 구성된 역할에 대한 찬반 의견을 갖고 있습니다. 로시니의 "세비니아의 이발사"에는 6중주가 있고 심지어 모차르트의 "피가로의 결혼"에도 6중주가 있습니다. ." 7중창에서는 12명이 넘는 사람들이 함께 노래하고, 때로는 3~5명씩 그룹을 지어 각자 자신의 의견을 내세운다. 누군가는 피가로에 공감하고, 누군가는 백작에 공감하고, 누군가는 농담을 비웃는다. 작곡가의 뛰어난 실력 기술은 매우 다양한 극적인 음악 이미지를 동시에 하나의 조화롭고 표현력이 풍부한 음악 구절로 구성하는 능력에서 나타납니다. 이는 우리 오페라와는 매우 다릅니다.

또 다른 형태는 미사 장면에서의 합창으로, 줄거리의 요구에 따라 남성, 여성, 혼성, 어린이 등이 될 수 있다.

오페라에는 스토리가 있고, 노래에는 가사가 있고, 음악과 드라마의 발전은 뗄래야 뗄 수 없는 관계다. 그러므로 중국에 서양 오페라를 소개할 때 번역을 사용하는 것이 더 나을까요, 아니면 원문을 노래하여 '원래의 풍미'를 유지하는 것이 더 나을까요? 항상 두 가지 의견이 있었는데, 각각은 나름의 장점이 있었습니다. 중화인민공화국 건국 이후 경극 일꾼들은 서양 오페라를 도입할 때 번역에 많은 노력을 기울였다. 여기서 중요한 문제가 있는데, 그것은 문학적 언어를 잘 번역할 뿐만 아니라, 정할 때에도 마찬가지이다. 음악의 법칙에 맞아야만 청중이 편안함을 느끼고 받아들여질 수 있습니다. 이것은 과학적이고 매우 힘든 일입니다. 음악적 성취도가 높은 번역가, 즉 번역가와 음악가의 협력이 필요합니다. 좋은. 내 개인적인 견해는 관객이 연극을 보기 위해 극장에 오기 때문에 사람들이 그것을 이해해야 한다는 것이다. 중국에서 서양 오페라를 소개할 때, 사람들이 언제든지 줄거리의 드라마와 오페라 음악을 더 쉽게 이해할 수 있도록, 그리고 노래와 연기가 모두 있는 공연을 즐길 수 있도록 중국어로 번역하는 것이 가장 좋습니다. 중국 관객들은 우리 연주자들이 서양 오페라의 매력을 이해해주기를 진심으로 바랍니다. 최근에는 중국어 자막이 붙은 원곡을 활용해 노래하는 것이 사회적 유행이지만, 원곡을 부르는 우리 배우들의 수준을 보여줄 수도 있고, 외국 에이전트들의 호응을 얻어 해외 공연에 초청될 수도 있지만, 내가 아는 한, 관객들에게 서양 오페라의 수용은 더 멀고, 관객들은 그것을 잊어버리고, 어차피 우리가 그것을 이해하는 것을 원하지 않는다고 생각할 것이고, 원어 수준은 말할 것도 없다. 일부 배우의 비중은 사실 아무도 이해할 수 없으며 이는 중국에서 서양 오페라의 확산을 촉진하는 데 도움이 되지 않습니다.

드라마의 한 형태. 이는 음악에 맞춰진 극적인 텍스트(가사)로 구성되며 일반적으로 노래할 때 음악 반주가 함께 제공됩니다. 초기부터 오페라 공연에는 솔리스트, 듀엣, 합창단, 오케스트라 단원 외에도 무용수가 포함되는 경우가 많았습니다. 이 복잡하고 값비싼 형태의 뮤지컬 극장 엔터테인먼트는 5세기 동안 관객들에게 인기를 끌었습니다. 다른 극 형식과의 분명한 차이점은 대사가 말로 표현되지 않고 노래로 표현된다는 점이다. 동반되는 소리.

고대에는 시와 연극, 음악이 결합된 작품이 있었다. 고대 그리스 극작가 아이스킬로스(Aeschylus), 소포클레스(Sophocles), 에우리피데스(Euripides)는 이미 자신들의 연극에서 합창을 사용했습니다. 기적극, 기적극 등 성경을 바탕으로 한 중세 종교극에는 일반적으로 일종의 음악 반주가 있었습니다. 이러한 뮤지컬 극장과 다른 형태의 뮤지컬은 오페라의 선구자로 간주될 수 있습니다. 오페라는 16세기 말 이탈리아 피렌체에서 탄생했다. 첫 번째 오페라는 르네상스 시대의 목가 시인 오타비오 리누치니(Ottavio Rinuccini)와 작곡가 야코포 페리(Jacopo Peri)가 공동 집필한 "다프네(Dafne)"였으며, 현존하는 최초의 오페라 대본은 "다프네(Dafne)" 에우리디체(Euridice)이기도 합니다. 그러나 이 두 오페라의 아버지의 작품은 장르와 구조 모두에서 탐구적인 것이었다. 그로부터 약 10년 뒤 클라우디오 몬테베르디의 오페라 명작 '오르페오의 라 파볼라'가 나왔다. 그 중 악기 반주는 극적인 요소가 되었으며, 당시 오페라의 주제는 대부분 그리스와 로마 신화, 전설, 허구적인 역사 이야기였습니다.

오페라 하우스

세계 최초의 오페라 하우스인 테아트로 디 산 카시아노(Teatro di San Cassiano)는 1637년 베니스에서 개장하여 일반 관객에게 공개되면서 막을 내렸습니다. 오페라가 독점되던 시대를 맞이했습니다. 왕실과 귀족들에 의해 오페라의 발전을 크게 촉진시켰습니다. 몬테베르디의 학생인 프란체스코 카발리는 이 시대의 가장 유명한 오페라 작곡가였습니다. 그는 1639년부터 1669년까지 베니스 오페라 하우스를 위해 약 40편의 오페라를 작곡했는데, 그 중 가장 유명한 것은 "야손"(Giasone)입니다. 카바리와 동시에 활동했던 이탈리아 오페라 작가 피에트로 안토니오 체스티(Pietro Antonio Cesti)도 많은 오페라를 썼는데, 그 중 가장 유명한 것은 "황금 사과(Il pomo d'oro)"입니다. 17세기 중반 이후 베네치아 오페라 장르는 쇠퇴하기 시작했지만, 종종 "코믹 오페라의 아버지"라고 불리는 발다사레 갈루피(Baldassare Galuppi)와 같은 몇몇 재능 있는 작곡가들이 이 시기에도 여전히 등장했습니다.

로마 등 다른 이탈리아 도시들은 곧 그들만의 현지 스타일의 오페라를 발전시켰습니다. 로마 오페라는 베네치아 오페라와 달리 무대의 웅장함을 크게 강조하지 않고, 기악 서곡과 서곡 형식의 막간 악장에 중점을 두고 극 전체의 비극적 분위기를 밝게 하기 위해 흥미로운 막간을 사용하는 것을 좋아한다. 로마에는 또한 최초의 완전한 코믹 오페라 "Chi soffe speri"(Chi soffe speri)를 창작한 Virgilio Mazzocchi와 Marco Marrazzoli와 같은 유명한 오페라 작가들이 많이 있습니다.

18세기에는 이탈리아 오페라 중심지가 나폴리로 이전하면서 다양한 오페라 장르가 속속 등장하며 이탈리아와 해외의 여러 오페라 활동 중심지에 영향을 미쳤다. 초점은 사람들이 가사를 이해할 수 있도록 음악이 가사에 복종하도록 만드는 것입니다. 작사가 Apostolo Zeno와 Pietro Metastasio가 이에 기여했습니다. 오페라 아리아, 특히 3부 아리아가 지배적입니다. 나폴리 오페라는 단순한 하모니를 갖고 있으며, 더욱 선율적이고 경쾌하며, 로코코 스타일의 장엄한 음색을 갖고 있습니다. 대표적인 작가로는 Alessandro Scarlatti, Nicola Antonio Porpora, Leonardo Vinci 및 Leonardo Leo가 있습니다.

1720년 베네치아 출신 베네데토 마르첼로는 "Il teatro alla moda,o sia metodo sicuro e facile per ben"(Il teatro alla moda,o sia metodo sicuro e facile per ben) comporre ed eseguire opere italian을 썼습니다. in musica)는 드라마를 희석시키는 오페라의 증가하는 고정관념을 풍자하여 오페라 개혁의 실험으로 이어졌지만 거의 성공하지 못했습니다.

17세기에는 독자적인 형식의 풍자적인 희극이 발전했다. 처음에는 메인 오페라의 막 사이에 삽입되는 경우가 많았습니다. 성숙 과정에서 형식 오페라의 정서적이고 진지한 특성을 일부 회복하여 많은 희극 오페라에 혼합적인 성격을 부여했습니다. '세르비아의 이발사', '피가로의 결혼', '비밀의 결혼'(Il matrimonio segreto) 등이 이 시대의 대표작이다.

오페라는 1650년 이전에 프랑스에 소개되었습니다. 프랑스 최초의 오페라인 포모네는 1671년 왕립음악원(현 파리 오페라 하우스) 개관식에서 초연되었습니다. 그러나 오페라는 Jean-Baptiste Lully의 생애 이전까지는 진정한 프랑스 예술이 되지 못했습니다. 이탈리아인 룰리는 파리로 건너가 프랑스 연극과 발레의 특징을 빌려 프랑스풍 오페라를 탄생시켰다. 그는 이탈리아 아리아를 싫어했고 대신 짧고 생동감 넘치는 노래를 사용하는 것을 옹호했습니다. 그는 코메디 프랑세즈의 낭송법을 따라 낭송을 개편하고 프랑스식 서곡을 발전시켰다. Lully의 스타일은 Hippolyte et Aricie를 포함한 주요 작품인 Jean-phlippe Rameau의 오페라에서 정점에 이르렀습니다.

1627년 독일과 오스트리아에 오페라가 소개된 뒤 '민속 오페라'가 등장하면서 모차르트, 헨델, 베토벤 등 수많은 오페라 작가들이 등장했다. 주요 작품으로는 '마술피리'가 있다. ", "마술피리", "마술피리". 올랜도", "피가로의 결혼", "돈 후안", "피델리오"(피델리오), "일 몬도 델라 루나"(일 몬도 델라 루나) 등 . 1769년에 Ranieri de'Calzabigi와 Gluck은 오페라 혁신에 관한 중요한 문서인 오페라 "Alceste"의 서문을 출판했습니다. 그는 중복되고 화려한 3부 아리아를 폐지하고 단순한 표현과 진실한 감정으로 대체되어야 한다고 믿었습니다. 음악의 의무는 '시를 섬기는 것'이다. Gluck의 대표작으로는 "Iphigenie en Aulide"(Iphigenie en Aulide)와 "Iphigenie en Tauride"(Iphigenie en Tauride)가 있습니다. 그의 개혁 아이디어는 큰 영향을 미쳤습니다.

오페라가 영국에 소개된 후 영국에 정착되기까지는 오랜 시간이 걸렸습니다. 최초의 영국 오페라는 헨리 퍼셀(Henry Purcell)의 디도(Dido)와 아이네아스(Aeneas)였습니다. 이 오페라는 암송과 노래의 경계를 무너뜨렸습니다. '거지의 오페라' 공연은 마침내 영국 관객들을 모국어로 부르는 연극을 듣는 데 익숙해지게 만들었다.

18세기 말부터 19세기 초까지 프랑스 희극은 크게 발전했다. 1752년에는 루소의 단막 코미디 오페라 "Guerre des Bouffons"(Guerre des Bouffons)가 상연되었는데, 그는 매우 대중적인 낭만적인 사랑을 반영한 곡과 보드빌 연주를 결합한 메들리 형식으로 악보를 썼으며 매우 인기가 있었습니다. 프랑스 스타일. 그 이후로 이 새로운 유형의 코믹 오페라는 파리와 다른 지역의 오페라 무대를 장악했습니다. 유명한 극작가로는 Pierre-Alexandre Monsigny, Andre Gretry, Etienne-Nicolas Mehul 및 Francois-Adrien Boieldieu가 있습니다. 프랑스 코믹 오페라는 부아지에디외(Boisierdieu) 이후 로시니(Rossini)의 영향을 반영하여 더욱 이탈리아어화되었습니다. 이 기간 동안 이탈리아 오페라는 쇠퇴했습니다. 요한 시몬 마이어(Johann Simon Mayr), 로시니(Rossini), 가에타노 도니제티(Gaetano Donizetti), 빈첸초 벨리니(Vincenzo Bellini)와 같은 재능 있는 오페라 작곡가들은 "세르비아의 이발사" 등 세계적인 명성을 얻은 오페라 작품을 다수 탄생시켰습니다. 안나 볼레나(Anna Bolena), '일 피라타(Il pirata)', '이 푸리타니(I puritani)' 등이 다시 인기를 끌었다.

19세기 파리에서 탄생한 '그랜드 오페라'는 역사적, 허구적인 역사 이야기를 주제로 한 국제적인 스타일의 대규모 오페라로, 무대는 화려한 풍경으로 가득하다. , 화려한 의상, 발레 등 다양한 워크 온 지골 형성. 이는 벨칸토의 미묘함을 거의 없애고 오케스트라 자체와 드라마에서의 역할을 크게 확장합니다. 최초의 그랜드 오페라는 Giacomo Meyerbeer의 Robert le Diable이었습니다. Meyerbeer와 Fromental Halevy 이후 그랜드 오페라는 새로운 음악 경향을 반영하기 시작했으며 다양한 하이브리드 형태로 발전했습니다. 이 시기의 프랑스 오페라 작가로는 베를리오즈(Berlioz)와 오펜 바흐(Offen Bach)가 있는데, 그의 주요 작품으로는 "Orphee aux enfers"(Orphee aux enfers), "The Trojans", "Les Contes d'Hoffmann"(Les Contes d'Hoffmann) 등이 있습니다. ) 외.

독일의 낭만주의 오페라에는 독일 낭만주의 음악의 전신인 Der Freischutz(Der Freischutz) 등의 작품이 있으며 이 시기에는 존(John)과 같은 오페레타도 등장했다. 슈트라우스의 걸작 '박쥐'는 이를 최고조에 달했다.

19세기 이후의 유명한 오페라 작곡가로는 이탈리아의 베르디, 푸치니, 부소니 등, 독일과 오스트리아의 바그너, 리하르트 슈트라우스, 한스 피츠너, 프랑스의 구노 등이 있다. , 비제, 토마스, 쥘 마스네, 드뷔시, 라벨.

오페라가 러시아에 소개된 이후에는 처음에는 대부분 외국 작품이 공연됐고, 이후 림스키-코사 코프 등 러시아 오페라의 아버지 미하일 이바노비치 글린카 등 뛰어난 오페라 작곡가들이 대거 등장했다. , 보로딘, 모데스트 무소르그스키, 차이콥스키, 스트라빈스키, 프로코피예프 등

20세기 중반까지 오페라는 거의 박물관 예술이 되었고, 대부분 오래된 작품을 다시 공연하고 신작은 거의 찾아볼 수 없었습니다. 오페라의 미래는 오페라와 같은 무대극과 청중을 놀라게 하는 기타 혼합 오페라 형식에 있다고 보는 작가도 있고, 공장이나 학교 공연을 위해 작곡된 작은 오페라에 있다고 보는 작가도 있습니다.