음악을 작곡할 때 주의해야 할 점은 무엇인가요?

작곡은 창작 과정이자 결과입니다. 간단한 멜로디만 작곡하더라도 작곡으로 간주됩니다. 하지만 전체 작품의 작곡을 마치면 전체 작곡 과정을 마친 셈이고, 그것이 바로 결과물이다. 작곡에는 음조, 박자표, 화성, 화성적 직조, 단락 구조, 사운드 트랙 등과 ​​같은 많은 이론이 필요합니다. 현대 작곡가들은 대부분 컴퓨터용으로 작곡하며 MIDI나 직접 녹음을 사용하여 음악을 완성합니다. 음악이론의 적용은 일관적이다. 하지만 각기 다른 시대에 만들어진 노래들 역시 그 나름의 특징을 갖고 있습니다.

현대 작곡가들은 대부분 컴퓨터로 작곡을 하는데, 미디나 직접 녹음을 이용해 음악을 완성한다. 음악이론의 적용은 일관적이다. 하지만 각기 다른 시대에 만들어진 노래들 역시 그 나름의 특징을 갖고 있습니다. 음악이론은 궁극적으로 작곡이론이다. 하지만 너무 전문화되어 있어 대중화하기가 쉽지 않습니다. 여기서는 독학하는 분들의 편의를 위해 중요한 내용만 간략하게 소개합니다. 하나. 하모니(Harmony) 하모니는 동시에 들리는 여러 톤의 효과와 패턴을 연구하는 것입니다. 멜로디를 '뼈'에 비유하면 화음은 '살'이다. 화음이 있어야만 소리가 충만하고 조화롭고 아름다울 수 있다. 하모니는 매우 중요한 지위를 가지며 모든 음악 이론의 기초라고 할 수 있습니다. 많은 음악 대가들이 하모니에 탁월한 공헌을 했습니다. 하지만 화성 내용은 방대하고 규칙도 많아 잘 익히기가 어렵습니다. 중편소설 『당신에게는 선택의 여지가 없다』(유수올라 지음, 『신시대의 경전』)의 교수는 8년 동안 공부한 후에도 이 과목을 터득하지 못했다고 주장하는 것을 보면 이 과목이 얼마나 어려운지 알 수 있다. 그러나 조화에 대한 기본 지식을 익히는 것이 가장 큰 도움이 될 것이며 시도해 볼 가치가 있습니다. 다음은 몇 가지 중요한 기본 개념과 용어에 대한 간략한 소개입니다. 1. 트라이어드 근음과 그 위의 세 번째 음, 그 위의 다섯 번째 음을 겹쳐서 만든 코드를 "트라이어드"라고 합니다. 트라이어드는 코드 기능을 구성하는 가장 기본적인 코드로 가장 많이 사용됩니다. 3화음에는 구조에 따라 "장3화음", "단3화음" 및 "감소3화음"(1개만)이 포함됩니다. 기능에 따라 "도미넌트 코드"(토닉이 근음인 3화음), "도미넌트 코드"(우세한 음색이 있는 3화음), "하위 코드"(기본 톤이 있는 3화음)로 나눌 수 있습니다. 또한 모든 트라이어드에는 두 개의 반전이 있습니다. 토닉, 도미넌트, 서브의 3화음을 "포지티브 트라이어드"라고 하고, 나머지 4화음을 "하위 3화음"이라고 합니다. 이들 4개의 하위 트라이어드는 "주요 기능" 그룹과 "하위 기능" 그룹에 속합니다. 이제 온음계의 7개 음으로 구성된 위치의 모든 3화음이 다음과 같이 나열됩니다. 근음 기능 유형 기호 1 메인 코드 메이저 3도 T(또는 Ⅰ) 2 2차 코드(하위 카테고리) 마이너 3도 SII 3 3도 코드( 도미넌트 형식) 마이너 III DIII 4 하위 메이저 코드 S(또는 IV) 5 도미넌트 메이저 코드 D(또는 V) 6 6도 코드(하위 형식) 마이너 3도 SVI 7 7도 코드(도미넌트 형식) 디미니시드 3도 DⅦ DⅦ 제외, 이 감소 3화음을 제외한 나머지 6화음은 모두 자음입니다. 2. 7도 코드, 9도 코드, 변경 코드 3도 코드에 3도(근음의 7도)를 겹쳐서 만든 코드를 7도 코드라고 합니다. 7도 코드는 불협화음 코드입니다. 가장 일반적으로 사용되는 7번 코드는 "도미넌트 7번 코드"(도미넌트 코드로 형성된 7번 코드)입니다. 헤비 지배적 코드와 감7화음도 자주 접하게 됩니다. 7화음(즉, 근음의 9도음)에 3도를 더하면 9화음이 됩니다. 9도 코드도 불협화음입니다. 근음이 아닌 코드의 음이 원래의 규칙을 따르지 않고 다른 음으로 변환되는 경우 이러한 코드를 "변경 코드"라고 합니다. 9도 코드와 코드 체인지의 기능과 색상은 비교적 특수하고 파악하기 어렵기 때문에 기본적으로 단순한 작품에서는 나타나지 않습니다. 3. 하모니 파트 하모니는 일반적으로 "트레블", "알토", "테너", "베이스"의 네 부분으로 구성됩니다. 하모니 보표에서는 고음이 맨 위에 있고, 베이스가 맨 아래에 있으며, 알토와 테너가 중간에 있습니다. 따라서 고음 부분과 저음 부분이라는 두 가지 성부를 통칭하여 "외부 성부"라고 하고, 알토와 테너 부분을 "내성 성부"라고 부르는 경우가 많습니다. 고음 부분은 일반적으로 주요 멜로디 부분이며, 내부 두 부분은 주로 화음을 구성하는 데 사용되며 종종 "채움 부분"이라고 합니다. 조화가 진행되고 연결될 때 내면의 목소리가 충실하고 안정적이어야 하며, 목소리 간의 중첩이 허용되지 않습니다. 베이스 파트는 항상 화성에서 가장 낮은 부분으로 근음을 결정하는 역할을 하기 때문에 기본적인 역할을 할 뿐만 아니라 화성의 방향을 이끌어 주는 역할도 매우 중요합니다. '4부 화성' 작문은 작곡의 중요한 기술 중 하나이며, 작품의 규모에 관계없이 이것이 출발점이 되어야 한다(메인 선율이 결정된 후 화성 작문이 시작된다). 오케스트레이션은 조화로운 질감을 구현합니다. (다른 악기는 다른 파트에 속하므로 악보는 화성 파트에 따라 작성될 수도 있고 현악기 파트, 금관 파트, 목관 파트 등 악기 그룹에 따라 작성될 수도 있습니다...) 다양한 작곡 화성 집의 스타일은 종종 다릅니다. 일부는 웅장하고 일부는 강력하고 관대하며 일부는 명확하고 투명합니다. 예를 들어, 바그너의 작품은 화려함으로 유명합니다. 4. 조화의 진행, 연결 및 "해결" 조화는 음악이 진행되는 동안 끊임없이 변형되고, 변경되고, 중지되어야 하며, 이러한 목적을 위해 각 부분도 적절하게 전환되고 연결되어야 합니다. 이것이 조화로운 글쓰기의 기본 기술이다. 화성 진행의 기본 특징은 "안정"에서 "불안정"으로, 그리고 "안정"에서 "불협화음"으로 그리고 다시 "협화음"으로 교대로 순환하는 것입니다. 기능의 패턴은 T-S-T, T-D-T 또는 T-S-D-T입니다. 소설 『당신은 선택의 여지가 없다』에서 여러 번 언급된 이른바 '기능적 순환계'가 의미하는 바가 바로 이것이다. 소설에서도 '해상도'라는 용어가 언급된다.

이는 진행 및 연결 중에 불협화음 코드(예: 7화음)가 자음 코드로 변환되는 방식을 나타냅니다. 기본 규칙은 각 부분의 사운드를 7→1→3 등과 같은 가장 가까운 자음으로 전환하는 것입니다. .; 자음은 변경되지 않습니다. 5. 조화의 '힘'에 대해 'You Have No Choice'의 우등생 센센은 베토벤을 따라하고 싶어 하지만, 베토벤의 '비할 데 없는 힘' 때문에 그는 '힘'을 찾아 하루 종일 피아노를 두드린다. ". 그의 캐치프레이즈 중 하나는 "젠장, 힘!"입니다. 일반적으로 힘은 이탈리아어로 표현되는 소리의 강도를 나타냅니다. 예를 들어 "p"는 "약함", "f"는 "강함", "sf"는 " 매우 강력하다" 등등. 하지만 여기서의 강도는 또 다른 개념이다. 그렇지 않으면 발로 피아노를 밟는 '강도'가 베토벤을 능가해야 한다. 소설에서 '강함'은 주로 음향효과의 강함, 즉 화합의 강함을 가리킨다. 화음의 강도는 아마도 코드에 포함된 배음 계열의 공명 스펙트럼과 관련이 있을 것입니다. 그러므로 이는 음성의 수와 간격거리와 관련이 있다. 일반적으로 단조 트라이어드는 메이저 트라이어드만큼 강력하지 않습니다. 단일 음정은 다성 음정(옥타브를 초과하는 음정)만큼 강력하지 않습니다. 이것이 Sensen이 "9번째 코드 위에 7번째 코드를 겹쳐 놓은" 이유입니다. *화성을 배우는 방법(1). 규칙을 외울 필요 없이 기본 개념을 완벽하게 이해하세요. 하모니에는 많은 규칙이 있지만 제한 사항은 거의 없습니다. 게다가, 이러한 '금기'를 기억하면 큰 실수를 저지르지 않으니, 먼저 '금기'를 기억해야 한다. (2). 계속해서 운동하세요. 음악은 절대적인 기준이 없고 연습에는 하나의 답이 없다는 점에서 수학과 물리학과 다릅니다. 더 많이 하고 더 많이 연습해야만 기억하고 발전할 수 있습니다. (삼). 더 유명한 노래를 들어보세요. 이것은 실제로 가장 효과적인 수단입니다. 초보자도 간단하고 알기 쉽게 듣기 좋은 음악을 들을 수 있습니다. 둘. 음악 형식 학습 음악 형식은 음악의 구조적 형식을 말합니다. "단부형식", "2부형식", "3부형식", "변주형식", "소나타 형식", "론도형식" 등이 있습니다. 각 테마 섹션은 "A, B,..."로 표시됩니다. 예를 들어, "two-section body"의 음악 형식 스키마는 "AB"이고, "3-section body"의 스키마는 "ABA'"이며 세 번째 섹션 A'는 기본적으로 첫 번째 섹션과 동일합니다. 동요는 대부분 2부 또는 1부로 구성되어 있으며, 대중가요는 대부분 3부로 구성되어 있습니다. "왈츠"는 종종 론도 형식을 채택합니다. 삼. 다성음악(Polyphony) "다성음악(Polyphony)"은 "메인 곡(main tune)"에 상대적입니다. 한 성악만이 주제선율을 맡고 다른 성악들은 조연만 맡는 경우 이런 종류의 음악을 기조음악이라고 합니다. 하나 이상의 멜로디 파트가 있고, 각 파트가 수평적으로는 서로 독립적이고 수직적으로는 조화로운 관계를 형성하여 유기적인 조화의 전체를 형성하는 경우 이러한 음악을 "다성 음악"이라고 합니다. 다성음악에서는 각 성부의 선율을 우선순위에 따라 '주선율', '보선율'이라 부른다. 메인테마는 하나뿐입니다. 다성음악은 중요한 작곡기법으로 널리 사용되며 그 이론적 근거는 화성이다. "푸가"는 바흐의 기술이 완벽하게 발전한 다성음악 형식 중 하나입니다. 4. 대위법 대위법은 "다성 음악"의 작문 기술 중 하나입니다. 이는 조화 이론에 기초하여 각 목소리를 자음으로 만들고 상대적으로 독립적으로 만듭니다. 예를 들어 헤비 코러스(트리오, 4중주)는 대위법을 사용하여 작곡됩니다. 대위법은 '엄격대위법'과 '모방대위법'으로 나눌 수 있습니다. 러시아와 독일의 음악 이론가들은 엄격한 대위법을 존중하고 고수했습니다. 다섯. 멜로디(Melody) 멜로디는 곡이다. 이는 건물의 스타일과 리듬처럼 음악과 음악을 구별하는 근본적인 특징입니다. "음소"는 "동기"를 구성하며, 동기는 더욱 발전하여 멜로디를 형성합니다. 구체적으로는 특정 "소리 패턴"과 "리듬 패턴"이 결합되어 특정 리듬과 비트 규칙에 따라 멜로디를 형성합니다. 멜로디는 시각적입니다. 멜로디 라인(음표 머리 사이의 연결)에 반영됩니다. 초기에는 일부 음악가들이 '선율선의 아름다움'을 추구하며 좋은 선율은 시각적으로도 아름다워야 한다고 믿었습니다. 멜로디의 창조는 천재성, 영감, 연습에 달려 있습니다. 멜로디 작문 실력이 매우 뛰어나고, 그 전개 기법도 다양하고 풍부하다. 일반적으로 사용되는 개발 기술에는 반복, 성형, 모방, 수축, 확장, 변경, 대비, 변형 등이 포함됩니다. 대부분의 개념은 보드 디스플레이와 시청각 프레젠테이션을 통해 설명됩니다. (음악감상강좌(3) 참조) 육. 오케스트레이션(Orchestration) 오케스트레이션(Orchestration)은 오케스트라의 작곡 기법이므로 “오케스트라 방식” 또는 “악기 방식”이라고도 합니다. 그러나 모든 밴드 연주는 물론, 대중가요의 반주까지도 오케스트레이션의 활용과 불가분의 관계에 있기 때문에 오케스트레이션에 대한 지식을 조금이라도 배워두는 것은 큰 실용 가치가 있습니다. 오케스트레이션을 학습하는 것은 다음과 같은 문제를 해결하는 것입니다. · 다양한 악기의 소리 생성 원리, 음색, 음량 및 연주 방법 등 · 다양한 악기의 음량 간의 일치 관계 · 주제와 주제를 올바르게 표현하기 위한 악기의 올바른 선택. 작품의 스타일을 가정해 보겠습니다. 저는 바이올린 협주곡을 썼습니다. 그런데 악보를 받은 바이올리니스트가 나에게 와서 이렇게 말했다. 나는 연주할 수 없어요. 나는 작문에는 아무런 문제가 없다고 굳게 믿습니다. 멜로디는 아름답고 하모니는 풍부합니다. 뭐가 문제 야? 세 개가있을 수 있습니다. 하나는 파트보의 범위가 잘못되어 상한이나 하한이 바이올린의 범위를 초과한다는 점입니다. 둘째, 3화음을 3음으로 썼는데 바이올린은 동시에 2음만 연주할 수 있기 때문에 당연히 연주자는 연주할 수 없습니다. 세 번째는 코드 간격이 너무 크다는 것입니다. 예를 들어 한 음표는 G 현(네 번째 현)에 있고 다른 음표는 A 현(두 번째 현)에 있습니다. 가운데에 줄이 있는데 어떻게 잡아당기라고 합니까? ! 또 다른 예는 타운십 기업이 성공한 후 외국 음악을 잔뜩 사서 오케스트라를 결성하고 프로그램을 리허설하고 전문가를 초빙하여 지도를 제공했다는 것입니다. 그러나 그것을 본 차장은 무력하다는 듯 고개를 저었다. 그 이유는 1) 악기 수가 일치하지 않고, 대규모 오케스트라 수를 초과하는 경우도 있고, 2) 오케스트레이션 없이는 전문 연주자들이 합주하기 어렵다는 점이다.

위 두 사례의 실패 원인은 오케스트레이션에 대한 상식이 부족했기 때문이다. 또한, 대중가요의 반주에 있어서 오케스트레이션 방식을 적절하게 사용하지 않으면 '어수선하다', '손님에게 집착하다' 등의 문제도 발생할 수 있다.

그러나 전자음향악기는 발음, 음색, 기능적 특성, 연주기술이 전통악기와 많이 다르고 자체 시스템을 형성하고 있기 때문에 전통적인 오케스트레이션 방식은 기본적으로 순수 전자음향밴드의 청취에는 적합하지 않습니다. , 흥얼흥얼 멜로디를 직접 적어야 하는데... 이게 영감이 됩니다. 적어두지 않으면 다음번에 기억하기가 쉽지 않을 것 같아요... 아니면 직접 녹음해도 됩니다. 그리고 악보를 받아오세요~ 그러니까 듣기를 잘하셔야 해요~

구문의 동기도 주목해야 해요~ 즉, 앞 마디와 뒤 마디의 연결이 있어야 해요. 화목하고 배려하세요~

기분만 좋다면 그건 여러분만의 감정일 뿐입니다~ 클래식 곡의 작곡 요건은 그다지 까다롭지 않습니다~

제안 : 시간날 때 다른 사람의 노래를 들으면서 그들의 작곡 방향과 기복을 느껴보세요~ 당신에게도 도움이 됩니다. 장점·

영감은 본인의 몫입니다~규칙은 없습니다. ~ 선생님은 만드는 법을 가르쳐줄 수 없어요 ~

영감이 떠오르면 잡아야 한다는 걸 기억하세요 ~